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SUMMARY:Exposition du Rouge de Mars
DESCRIPTION:Le Rouge de Mars est né de la rencontre entre Sylvain Poirier et Yves St-Pierre\, deux artistes aux parcours enracinés dans les arts de la scène\, désormais engagés dans une pratique soutenue des arts visuels. Leurs trajectoires complémentaires et leur complicité créative donnent lieu à une œuvre à quatre mains\, façonnées par le croisement des disciplines et un dialogue constant entre idées\, matériaux et gestes. Le duo adopte une approche résolument multidisciplinaire. Sculpture\, photographie\, vidéo\, recyclage et installation s’entrelacent dans une démarche où chaque médium devient terrain d’exploration. Leur univers visuel puise dans le quotidien\, les objets trouvés\, les fragments du réel transformés avec sensibilité et lucidité. Le Rouge de Mars revendique une pratique artistique profondément ancrée dans la communauté. Leurs œuvres se déploient souvent in situ\, en résonance avec le lieu\, ses usages\, ses habitant·e·s. Leur travail reflète un souci constant d’habiter l’espace autrement\, de créer du lien\, de repenser les rapports entre l’art\, le public et l’environnement immédiat. Leurs démarches sont indissociables. Ensemble\, ils construisent un langage visuel singulier\, à la fois accessible et chargé de sens\, qui interpelle autant qu’il rassemble. Le Rouge de Mars\, c’est une invitation à voir autrement\, à ressentir pleinement\, et à penser l’art comme un acte de présence au monde. À PROPOS DE L’EXPOSITION Nos états des lieux est une réflexion artistique sur notre territoire commun — à la fois physique\, social\, émotionnel. Enraciné dans la région mauricienne\, ce projet du Rouge de Mars propose une lecture sensible de l’espace que nous habitons\, des liens qui nous unissent à lui\, et des enjeux qui s’y manifestent. En tant qu’artistes vivant en milieu rural\, nous sentons le besoin d’interroger ce qui façonne notre rapport au lieu : la transformation des paysages\, les tensions entre conservation et développement\, les héritages transmis\, les gestes posés aujourd’hui qui marqueront demain. À travers une approche collaborative et incarnée\, nous cherchons à donner forme à ces préoccupations en engageant une conversation entre matière\, mémoire et communauté. Nos états des lieux ne se veut ni manifeste ni solution\, mais bien une tentative de présence attentive — un espace de création où le regard artistique devient outil d’écoute et de questionnement. Le processus de création s’est nourri de rencontres\, de collectes\, de gestes partagés avec les membres de notre communauté\, notamment les enfants de l’école du village. L’art devient ici un moyen de rassemblement\, de transmission\, et de dialogue autour d’enjeux qui nous concernent tous. En lien avec notre parcours et notre démarche\, ce projet prolonge notre désir de créer des œuvres ancrées dans le réel\, à hauteur d’humain. Il invite le public à ralentir\, à observer autrement\, à reconnaître dans l’art contemporain une manière d’habiter plus pleinement le territoire — et peut-être\, d’y rêver un peu plus consciemment.
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SUMMARY:Exposition d'Amélie Roberge
DESCRIPTION:Amélie Roberge est une artiste visuelle autodidacte spécialisée dans le Skull Art\, un type d’art que l’on retrouve dans diverses cultures à travers le monde et qui prend vie sur de sublimes canevas naturels; des crânes d’animaux trouvés en forêt ou abandonnés par des chasseurs. En 2016\, l’artiste crée la Fabrique PAPARMANE\, un atelier-boutique offrant divers produits tous issus de la forêt. Elle est également « l’artiste-maison » de la Microbrasserie Wickstation et est en charge des illustrations sur les produits de l’entreprise warwickoise. Bachelière en enseignement primaire\, elle a habité et enseigné à Vancouver\, Montréal puis est revenue à ses racines dans sa campagne natale. À l’époque\, elle récupérait déjà des ossements qu’elle apportait dans ses classes afin que les élèves puissent différencier les carnivores\, les herbivores et les rongeurs en étudiant les types de dentitions. Originaire d’Arthabaska\, elle vit maintenant dans les montagnes à Tingwick où est situé son atelier. Dans un paradis de grands espaces et de paysages bucoliques\, elle vit en étroite relation avec la nature; coyotes\, renards\, cerfs\, ours\, dindons sauvages font partie du décor. Son travail est un hommage à la faune québécoise et reflète son amour pour la nature. C’est aussi un procédé lourd de sens qui lui permet d’immortaliser la vie à travers l’art. DÉMARCHE ARTISTIQUE Passionnée par la nature et l’histoire\, elle s’inspire de celles-ci pour créer. Son travail s’inscrit dans une relecture des traditions familiales. Fortement inspirée du grand savoir-faire manuel de ses grands-parents -tout faire à partir de rien-\, récupérer des crânes d’animaux et les valoriser est sa façon de cultiver cette valeur profonde qui lui a été transmise. Les créations d’Amélie Roberge font ressortir toute la beauté de la nature et sa complexité en évoquant le paradoxe de la vie… car la mort en fait aussi partie. Pour l’artiste\, peindre sur des crânes rappelle le lien entre l’humain et la nature. Elle affirme que trop souvent\, l’homme tente de s’affranchir de la nature en se croyant supérieur\, en l’ignorant\, quand pourtant\, ils appartiennent à un même ensemble. Par les thèmes abordés\, elle aime qu’une histoire\, voire une époque émerge de ses créations. On y perçoit un amalgame de sensations et d’images récoltées lors de ses « promenades de prospection en forêt » métissées à des tranches d’histoire. Elle croit que les crânes peints sont un procédé lourd de sens pour faire revivre le passé\, pour faire parler l’histoire. L’acrylique lui permet de peindre avec spontanéité. Elle préconise les couleurs vivifiantes et adore travailler avec des palettes de couleurs monochromes. Sa peinture est souvent composée de graphiques délicats répétés ou en alternance\, symétriques et rappelle parfois le mandala. En un mot\, le Skull Art d’Amélie Roberge témoigne de son respect\, sa sensibilité et son amour pour la nature.
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SUMMARY:Exposition de Ginette Ross
DESCRIPTION:Au fil des ans\, Ginette Ross fut coorganisatrice du symposium de Cap-de-la-Madeleine\, peintre aquarelliste\, professeur d’art textile\, illustratrice et écrivaine. Artiste multidisciplinaire\, elle a toujours poussé la recherche de la beauté dans les différents médiums\, que ce soit l’huile\, l’aquarelle\, le graphite ou l’encre. Même retraitée\, les arts font partie de son ADN. À son actif\, on retrouve : exposition solo\, duo\, groupe\, collectif 7 aquarellistes et en galerie. Plusieurs prix sont rattachés à son parcours. Cette passion\, elle la puise au cœur de la forêt qui l’entoure. Depuis peu\, l’encre et la subtilité du pastel s’intègrent dans ses œuvres. Ses dernières compositions reflètent la joie et la douceur dans son approche différente des arbres. Elle y applique un mélange de pastel\, encre\, crayons de couleur et végétaux séchés sur un papier coton. Une nouvelle collection qu’elle est fière de vous présenter.
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